在中環的爍樂畫廊（Galerie du Monde, gdm），一批橫跨 2012 至 2025 年的大漆與水墨作品，安靜地闡述着吳杉十多年來的創作軌跡。這位 1960 年生於杭州、早年習油畫、後赴芝加哥深造再回到中國美術學院任教的藝術家，如今已被視為當代中國大漆藝術的重要名字，卻選擇以極簡與克制，回應這個節奏愈趨急速的時代。
走進展場，首先感受到的不是色彩，而是一道道纖細如呼吸的線。畫廊代表形容，吳杉把大漆創作變成一項「身心儀式」：在反覆刷漆、打磨、等待乾燥的步驟之間，他將創作壓縮成「線」這個最基本的元素，讓情緒與思緒沿着線的軌跡慢慢成形。線在光澤深沉的大漆表層時而浮現、時而隱沒，觀者的視線亦被牽引着，在「顯」與「藏」之間來回，時間感因此被拉長。
其作品的畫面大多維持在近乎單色的調子，細微的色層變化潛伏在表面之下，需要觀者靠近、停留，才會察覺那一點點明暗起伏。這種需要耐心觀看的節奏，對應着大漆創作本身的「慢」；每一層的線與色，都是時間沉澱後留下的痕跡，而非一時衝動的揮灑。
這次展出的作品，選自藝術家深受立體主義影響的早期之作，以至近年更趨內省、精神性的抽象語彙，呈現出他如何逐步將畫面淨空，讓材料、線條與心性之間的對話成為主角。他筆下的線條，帶有白描式的精細與節制，透過曲直、虛實的微妙差異，編織出畫面的節奏，而不再追求外在形象的描寫，逐漸指向一種內在的氣息。
值得留意的是，作品標題中不時出現的崑曲曲牌名稱，這亦是畫廊代表口中的「溫柔提示」。藝術家作為崑曲愛好者，借用這些曲牌為題，並非要為畫面提供單一詮釋，而是把崑曲裏的留白、轉音與呼吸感，悄悄移植到畫布與畫板之上。當觀者讀到這些題目，再回頭凝視那些若有若無的線，會自然聯想到崑曲當中歌聲的停頓、身段的迂迴，視覺與聽覺於這一瞬，就在心裏疊合成另一種韻律。
這次的展覽將吳杉的大漆畫作與水墨紙本作品並置，突顯兩種媒材間的對話，讓人更容易意識到吳杉關注的，不只是某一種技法，而是一整套關於「線」與「時間」的哲學。宣紙吸收性強，墨線在其上自然暈染成柔和的層次；大漆則因層層堆疊而顯得凝重而有觸感，兩者在質感上截然不同，卻同樣依賴藝術家細緻而持續的控制。
畫廊代表提到，無論是讓墨在紙上暈開，還是讓漆在板上慢慢凝固，吳杉始終保持一種幾近冥想的專注，透過重複性的繪畫動作與凝視，把每一道線淬煉為自足而克制的存在。這種長年累積的手感，也讓觀者以不同的遠近距離觀看作品時，總能發現新的層次——由遠而近，是一種抽象的平衡；由近而遠，又是時間與肌理的細語。